Scintillante pour basson et échantillonneur
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Basson et hautbois appartiennent
aux instruments à lent parler, aux accents également
pastoraux, soit dans la langueur, soit dans la jubilation, exclus
systématiquement des rôles solistes par la seconde
école viennoise. Les compositeurs français par contre
n'ont jamais renié leur amour séculaire pour les anches
doubles. Dans le processus d'aggiornamento le basson, qui a un fond
d'irréductible dans son adorable caractère, est
resté loin derrière le hautbois. C'est avec Michel
Tavernier - contrebassonniste et interprète longtemps
priviligié dans l'Ensemble 2e2m et ami de toujours - que Paul
Méfano a effectué ses recherches acharnées, bien
qu'Alexandre Ouzounov ait écrit un traité sur les sons
multiphoniques et joué la première esquisse de
Scintillante en public. Ce sont pourtant juste ces sons
multiples dont l'instrument est relativement avare que brandit si
efficacement le compositeur en alternance avec des trilles
"bisbigliando" où le basson se révèle delicat et
fugitif autant que la harpe, trilles rendus instables par l'usage
successif de doigtés alternatifs et donc qui scintillent d'une
lueur intermittente électronique : perle noire, basalte
laminé - qui donne à cette pièce son profil
timbrique et en grande partie son atmosphère expressive.
Vivaldi et les autres vénitiens ont fait du basson le
porte-parole de la nuit lunaire et capricieuse, fonction
renouvelée dans l'iconologie classique par le vénitien
adoptif Niccolò Jomelli. C'est dans cette tradition-là
que Scintillante trouve une place inattendue. Des
échantillons, puisés tantôt dans le
synthétiseur, tantôt dans le basson lui-même,
s'unissent à rédiger l'austère lexicon du
clavier midi. De temps en temps arrive un "riff" qui met en
paragraphe le monologue que traque de plus près la
présence électronique comme un continuo surréel
ou comme l'équivalent auriculaire d'un miroir déformant
qui tire jusqu'au cliquetis des clefs dans son jeu malin d'imitation.
L'éloquence ombrageuse de Scintillante incarne à merveille cette mélancolie
claire-obscure si typique de l'art de Méfano. L'oeuvre est
dédiée à l'épouse du compositeur,
Marie-Françoise Méfano, mère de Lucie.
Mémoire de la porte
blanche pour piano
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Une des rares pièces pour
piano solo dans le catalogue de Méfano, telle est son
assurance et telle sa fraîcheur que l'on fait le voeu que
d'autres vont bientôt la suivre. Le titre relève du
poète Marie-France Rose et parle le langage de l'énigme
symboliste. L'écriture pianistique au graphisme savamment
dépouillé révèle quelque affinité
avec les Etudes de Debussy, mais l'alerte sensualité de
certains passages semble plus proche de La fauvette des jardins de
Messiaen qu'à n'importe quelle partition de l'avant-garde
officielle. L'extrême souplesse rythmique, si typique de l'art
de Méfano en général, lui permet de brandir une
palette tant soit peu impressionniste sans la moindre trace ni
d'indulgence, ni de complaisance, tout comme Nicolas de Staël a
su adapter les couleurs du dernier Monet à un discours
houleusement abstrait et informel, à force d'un trait nerveux
et imprévisible. Il s'agit d'une maîtrise des plus
hautes et en fait Mémoire de la porte blanche est une des pièces pour piano les
plus réussies de ces dernières années. C'est
aussi un portrait musical étonnant de l'interprète de
cet enregistrement, Jacqueline Méfano, qui met pleinement en
valeur sa capacité de transformer le tracé d'une ligne
mélodique en ce qui ressemble à l'ombre de l'ineffable
qui passe à fleur d'eau.
Asahi
pour hautbois et
dispositif électronique | retour
Bien que ce soit Heinz
Holliger qui ait
doté le hautbois moderne d'une panoplie de techniques
avancées capables de satisfaire les compositeurs aux tendances
les plus disparates de la musique contemporaine, Asahi se situe plus proche en esprit de Maderna qui a
aimé l'instrument au point de lui dédier trois
concertos. Pourtant, l'atmosphère si particulière
d'Asahi - Asahi : l'Orient - Le pays du soleil levant - vient de la
tentative - merveilleusement réussie d'ailleurs - de
réinventer la voix de l'instrument selon le jeu des timbres
des flûtes orientales. Une tentative menée à bien
avec le prestigieux hautboïste français Maurice Bourgue
ici complice de Paul Méfano. La tenui avena arcadienne du
hautbois philharmonique qui faisait les délices des
impressionnistes cède, grâce en partie à l'emploi
savant des doigtés alternatifs, au son rustique des
instruments traditionnels. Grappes et rafales d'appoggiatures en
interrompant la coulée lyrique à l'image d'un
piobaireachd oriental connu du seul compositeur, achèvent ce
qui pour l'oreille est devenu le plus suave des
méta-instruments, caché comme une fée dans le
hautbois de toujours.
Dragonbass pour voix de basse, 2 saxophones
ténors, échantillonneur et dispositif
électronique | retour
Dragon à tour de
rôle féerique, folklorique, grand-guignolesque,
alchimique ; cette cantate volontairement bizarre, plutôt
incantation qu'exorcisme, emploie des moyens électroniques
pour multiplier et réfracter non seulement la voix de basse -
ici la voix extraordinaire de Nicolas Isherwood - mais aussi l'image
poétique du dragon, elle-même présentée
par un montage d'épithètes, d'anecdotes et de
descriptions puisées dans une pluralité de langues, de
traditions y compris bien sûr la formidable tarasque de
Tarascon : Io te tarascunarai ! C'est tout comme si l'haleine ardente
du dragon se nourrissait de ses traces dans les textes de ceux qui
l'ont vu ou ont été visités par lui dans
l'intime de leurs imaginations. En fait, textes, mots et jusqu'aux
phonèmes n'apparaissent ici, si ce n'est encadrés par
des contextes musicaux spécifiques. Ainsi va-t-il de la
séquence La Gargouille - La grande Goule - Le Groli - Le
Graüli, liée à une progression descendante avec la
mention "enchaîner arpégé". Ces panoplies
constellaires sont réaffirmées à chaque
tournant, au fur et à mesure que la pièce évolue
dans une arborescence d'échos appliquée directement
à la voix de basse par un Lexicon PCM 70. Ce que chante le
soliste en direct est toujours transformé, alors que par
contre ce que joue le clavier est toujours retransmis sans
transformation. Un autre aspect soigneusement guidé de
Dragonbass est constitué par l'iter du duo pour saxophones,
entamé en douceur sous la fantaisie mélismatique du
soliste avant de se déchaîner en délire
tellurien, marqué de sauts asymétriques vite
désaxés par un jeu de gammes fragmentaires et
chromatiques, suivi d'une pulsion inégale de notes rebattues,
le tout balayé par gammes et arpèges avant d'être
emporté dans un tourbillon de souffle. S'ensuivent les paroles
mystérieuses: Le dragonneau ailé à crête
est lié au monde Ouranien avant que la "cantate" ne prenne fin
dans une vocalise - sarcastique et volubile - aux allures
chimériques.
La
matrice des vents pour
shô | retour
Depuis que Mayumi Miyata est
venue la première fois à Darmstadt, plusieurs
compositeurs occidentaux ont écrit des pièces pour
shô en suivant l'exemple de leurs collègues au Japon. La
plupart de ces pièces sont de caractère
méditatif et évoluent d'une manière qui se veut
atemporelle. Nul doute qu'il y a une idée de Zen dans une
telle stratégie puisée soit de Watts et Cage, soit
d'une source plus respectable. Nul doute non plus que l'union
mercuriale du nerveux et du sensuel dans la musique de Paul
Méfano n'exige une autre solution. Le compositeur a
cherché cette solution dans l'élaboration de sept voix
électroniques qui ressemblent à s'y méprendre
à l'orgue à bouche de nos quartiers populaires -
modeste cousine du shô - mais dotée ici d'une
quantité infinie de souffle. Quant au shô protagoniste,
il est comme volontairement cerné par ce monde luisant - otage
complice et donc ayant droit à un traitement spécial.
Pendant 22' 30'' la partition se déroule d'une manière
linéaire, mais au-delà de ce point les
paramètres de l'interaction se dénouent progressivement
et la soliste commence à se frayer un passage au travers du
labyrinthe de sa captivité. Avec son assiduité
habituelle, Méfano a créé une "version
précise" de la Matrice des vents pour cet enregistrement. La pièce veut
s'inscrire "dans un projet sculptural monumental au bord de
l'Atlantique aux confins des Landes" - autrefois un pays de dunes
mouvantes et donc capable d'appuyer un contrepoint de sable et
métal. D'où les mots "soudre" et "oxydation" qui
figurent dans l'introduction technique du compositeur. Loin,
très loin du monde japonais. Mais est-ce vraiment le cas ?
Puisque le monde de la haute culture orientale s'exprime autant
à travers le pathos navrant des poèmes choisis par
Mahler pour Das Lied von der Erde ou les amants aux destins
pitoyables du théâtre Bunraku ou Nô, qu'à
travers les murs blanchis des monastères et les jardins
parsemés de sobres pierres de la tradition Zen. On peut
concevoir le shô comme une âme vivante en proie à
quelque haut destin exprimé par ces vents qui soufflent
là où il leur plait, soit aux bords de l'Atlantique,
soit aux bords du lac Biwa.
Périple à deux
pour saxophones alto et
contrebasse | retour
Périple à
deux est une tentative
plus ambitieuse de créer un méta-instrument que ne
l'était Asahi.
Ici nous avons une cornemuse de l'ère spatiale dont le chantre
est un saxophone alto et dont le bourdon est un saxophone
contrebasse. Bien sûr, la teneur se meut comme dans un
rêve, un souvenir ancien, alors que les languides
mélismes chromatiques de la voix en déchant semblent
flotter au-dessus.
Jusqu'à la section finale,
la plus courte de la pièce - vif et glapissant - les deux
instruments convergent dans une violente frénésie
apparentée à celle que l'on trouve dans Dragonbass.
Périple à deux est l'une des tentatives les plus
réussies d'harnacher les propos expressifs à la
panoplie de nouvelles techniques imaginées pour le saxophone
par Daniel Kientzy. Ecrite pour le soixante-dixième
anniversaire d'Olivier
Messiaen, Périple
à deux fait partie de tout un parcours de Périples de
un à quatre exécutants.
Tristram Pugin
disque 2e2m collection